Igor Stravinsky (1882-1971) nació en Oranienbaum, actualmente Lomonósov, en Rusia el 17 de junio de 1882. Allí era el lugar donde sus padres, cantantes de ópera, pasaban sus vacaciones. Su ciudad de residencia era San Petersburgo. Empezó sus estudios de piano a los nueve años, pero su padre deseaba que fuera abogado.

STRAVINSKYIngresó en 1901 en la Universidad de San Petersburgo para estudiar Derecho, permaneciendo en ella hasta 1905. Pero no abandonó la música, estudiando composición entre 1902 y 1908 con Rimsky-Korsakov.

Entre sus primeras obras encontramos la “Sonata para piano en fa sostenido menor”, compuesta entre 1903 y 1904, una obra de estilo clásico que recoge los consejos dados por su maestro.

En 1906 se casa con su prima Catherine Gavrilova Nossenko, de la que tendrá cuatro hijos. Fiodor en 1907, Ludmilla en 1908, Soulima en 1910 y Milène en 1914.

La “Sinfonía Nº 1 en mi bemol mayor”  Op.1 fue compuesta entre 1905 y 1907, dedicada a Rimsky-Korsakov, que la estrenó en forma privada en San Petersburgo el 27 de abril de 1907. En el mismo concierto se presentó su ciclo de canciones “Le Faune et la bergère” Op.2.

El primer movimiento, allegro moderato, construido en la clásica forma sonata nos presenta un primer tema que sufrirá diversas repeticiones a lo largo del movimiento. El segundo tema es de un estilo más personal con un ritmo sincopado. El desarrollo presenta la exuberancia de una obra de juventud, sin haber encontrado todavía su propio carácter. Después de la recapitulación una dinámica coda cierra el movimiento.

El segundo movimiento, scherzo: allegretto, presenta un enérgico tema típico de la tradición musical rusa. Destaca el trío lento basado en una canción popular rusa, que nos recuerda la música que usará posteriormente en Petrouschka. Después de la reanudación del scherzo se repite el trío, alternando con el scherzo. En el inicio de la coda reaparece el trío.

El tercer movimiento, largo, es todavía más tradicional, usando un tema lento que hubiera podido ser escrito por cualquiera de sus maestros. El tema va aumentando su dramatismo llegando a su clímax en la parte central. Luego surge un tema que parece ser un homenaje a Tchaikovsky. Finalmente el tema inicial se va diluyendo.

El último movimiento, finale: allegro molto, presenta forma poco convencional parecida a un rondó. Un tema original se repite diversas veces, alternando con diversas melodías de una manera bastante informal. Un anuncio del naciente compositor revolucionario. Es curioso observar que aparece un tema usado  en el último de los “Trois petits chants” para soprano compuestos en 1906 y reelaborados más tarde en 1913, dedicándolas a sus entonces tres hijos.

Una obra clásica que apenas nos recuerda a Stravinsky. Una sinfonía de un alumno de Rimsky-Korsakov que continúa el estilo heredado de sus maestros.

En el mes de junio de 1907 empieza la composición de su “Scherzo fantastique” Op.3 que terminará al año siguiente. Se estrenó en San Petersburgo en febrero de 1909, junto a sus “Feu d’artifice”. Entre los espectadores se encontraba Serge Diaghilev que queda muy impresionado por las composiciones.

Los Ballets Russes era una compañía de ballet fundada en 1907 por el empresario ruso Serge Diaghilev, con los mejores integrantes del Ballet Imperial del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, dirigidos por el gran coreógrafo Marius Petipa. Después de varias giras visitando Paris,  en 1911 se independiza residiendo en el Théâtre Mogador de Paris.

Serge Diaghilev pide a Stravinsky que orqueste un par de piezas para el ballet “Las Silfides” sobre música de Chopin estrenado el 2 de junio de 1909 en Paris. Pero lo más importante es el encargo de un nuevo ballet. Será “L’Oiseau de Feu” compuesto en 1910. Antes escribiría los “Dos poemas de Paul Verlaine” Op.9, para barítono y orquesta.

En 1910 Stravinsky se traslada a París acompañando a la compañía de ballet. La obra de Stravinsky puede ser dividida en varios períodos. El primero que llega hasta 1914 se puede definir como el Período Ruso. El ballet “L’Oiseau de Feu” estrenado el 25 de junio de 1910 en la Opera de Paris le abrirá el camino a la fama.

Durante el verano de 1910 Stravinsky empieza su segundo ballet, “Petrouchka” que se estrenará en el mes de junio de 1911. Los ritmos se intensifican confirmando la impresión dada por su anterior obra. Pero la obra revolucionaria será el ballet que cerrará el tríptico de los ballets rusos, “La consagración de la Primavera” compuesto en 1913.

Stravinsky escribe sobre la obra, “En mi imaginación apareció el espectáculo de un gran rito sagrado pagano. Los ancianos sentados en círculo observan el baile de una muchacha virgen que seguidamente será sacrificada al dios de la Primavera”.

La música es espectacular, nunca se había escuchado algo similar. Los ritmos reflejan la brutalidad de la Rusia pagana. La reacción del público también fue brutal, conservadores luchando con revolucionarios llegando a las manos. Uno de los mayores escándalos registrados en el mundo de la música. Con ello la fama tanto de Stravinsky como de Diaghilev se hizo mundial. Un momento cumbre de la música del Siglo XX.

Desde 1908 Stravinsky había empezado a trabajar en la ópera “El ruiseñor”, pero la abandonó para cumplir los encargos de Diaghilev. En 1914 la terminó al recibir un encargo del Teatro Libre de Moscú. Al terminarla el Teatro Libre había cerrado. Pero Diaghilev quiso estrenarla en Paris, lo que ocurrió el 26 de mayo de 1914. Stravinsky en 1917 preparó el poema sinfónico “Le chant du rossignol” usando música de la ópera.

La Primera Guerra Mundial causa un grave trastorno en la vida de Stravinsky. Después de una breve estancia en Rusia abandona su patria, a la que no volverá hasta 1962 como ciudadano americano. Se establece en Morges a orillas del lago Leman en Suiza, junto a su esposa y sus cuatro hijos.

Compone música de cámara y para piano. Su obra más importante de este período es el ballet “Renard” compuesto entre 1915 y 1916, un encargo de la princesa de Polignac. Bailarines y acróbatas se mezclan en el escenario realizando un espectáculo inhabitual.

Durante este tiempo pasado en Suiza Stravinsky realiza nuevas e importantes amistades. Entre ellas el director de orquesta Ernest Ansermet, el poeta Charles-Ferdinand Ramuz y Pablo Picasso, al cual dedicará una pieza para clarinete “Pour Pablo Picasso” en 1917.

La situación política en Europa interrumpe la actividad de los Ballets Russes de Diaghilev y la revolución bolchevique de 1917 arrebata toda la fortuna de Stravinsky, que queda en una situación precaria.

Stravinsky se ve en la necesidad de componer para sobrevivir. Una de las obras más conocidas de este tiempo de guerra es “L´Histoire du Soldat” compuesta en Morges en 1918. Estrenada en Laussane el 28 de septiembre dirigida por Ernest Ansermet. Una obra de pequeña envergadura que usa reducidos medios. En estos tiempos de crisis un teatro ambulante la puede representar en pequeñas salas.

Sobre un texto de su amigo Ramuz, inspirado en cuentos populares rusos con raíces del Fausto, Stravinsky compone una original música de escena. Unas frases recitadas en el cuadro Couplets du diable, me produjeron un efecto tan inolvidable durante mi juventud, que me veo en la obligación de reproducirlas a continuación.

Il ne faut pas vouloir ajouter à ce qu’on a, ce qu’on avait. On ne peut être à la fois qui on est, et qui on était. Il faut avoir choisir. On n’ai pas le droit de tot l’avoir, c’est defendu. Un bonheur, c’est tout le bonheur, deux, c’est comme s’il n’existait plus.

No se debe querer añadir lo que se tiene, a lo que se tenía. No se puede ser a la vez, lo que se es y lo que se era. Es necesario elegir. No se tiene el derecho de tenerlo todo, está prohibido. Una felicidad es toda la felicidad, dos, es como si no existiera.

En esta obra Stravinsky experimenta por primera vez con la música de jazz. Seguirá haciéndolo en “Ragtime pour 11 instruments” en 1918, una pequeña pieza del llamado jazz sinfónico.

Stravinsky junto con su familia se trasladan a Francia en 1920. Se inicia un nuevo período compositivo en la obra de Stravinsky. Es el llamado periodo neoclásico. El ballet “Pulcinella”, estrenado en la Opera de Paris en el mes de mayo de 1920, dirigido por Ernest Ansermet, puede considerarse una de las primeras obras de este periodo. Basado en la música del italiano Pergolese, fue compuesto por un pedido realizado por Diaghilev en la primavera de 1919. Picasso realizó los decorados del ballet.

Las “Sinfonías de instrumentos de viento” obra compuesta en 1920, no se trata como podría ser interpretado de un conjunto de sinfonías para instrumentos de viento. Su nombre debe tomarse en el sentido griego del término, como consonancia de instrumentos de viento.

La obra fue compuesta durante el verano de 1920 y luego revisada entre 1945 y 1947. Está dedicada a la memoria de Debussy, muerto en 1918. Se estrenó en Londres el 10 de junio de 1920 dirigida por Serge Koussevitzky.

La obra se inicia inspirada en un coral de la Iglesia Ortodoxa del que surgen todos los motivos siguientes. Dividida en tres secciones la primera protagonizada por los clarinetes. La segunda sección, la parte más lírica de la obra, la inicia la flauta presentando una característica melodía. La última sección reproduce el coral mediante los metales, terminando la obra con una sonoridad de órgano. Una obra de transición con la que finaliza su etapa rusa.

En el mes de febrero de 1921 Stravinsky conoce a Vera de Bosset en Paris. Entonces estaba casada con el pintor Serge Sudeikin. Empezaron un idilio que terminó con la ruptura del matrimonio. Desde entonces hasta la muerte de la mujer de Stravinsky en 1939, el compositor llevó una doble vida, pasando parte de su vida con Vera y la otra parte con su familia.

Desde la primavera de 1921 hasta el otoño de 1924 Stravinsky vive en Biarritz. Allí se reúne con sus amigos, Ravel, Arthur Rubinstein, Coco Chanel con la que se dice mantuvo un idilio y Mme. Errazuriz, una rica chilena que será su mecenas.

“Mavra” es una breve ópera bufa estrenada en Paris el 3 de junio de 1922. Una obra de claro estilo neoclásico. “Les Noces” una cantata ballet contrasta totalmente con la anterior.  Estrenada por Diaghilev en Paris el 13 de junio de 1923, pertenece al anterior periodo ruso. Su primera versión había sido acabada en el año 1919.

El “Octeto para instrumentos de viento”  estrenado en el mes de octubre de 1923 puede ser considerado como uno de los ejemplos más claros del período neoclásico. En 1924 estrena el “Concierto para piano e instrumentos de viento”.

A finales de 1924 la familia de Stravinsky se traslada a Niza. Durante este período de su vida compone la ópera-oratorio “Oedipus Rex” Op.62, basada en la obra de Sófocles adaptada por Jean Cocteau y traducida al latín. El ballet “Apollon Musagète” fue compuesto en Niza entre los años 1927 y 1928 a petición de una mecenas americana, sobre el tema griego de Apolo y las Musas. Está compuesto para orquesta de cuerdas.

El ballet “Le Baiser de la fée” escrito en 1928 está basado en el cuento de Andersen y en la música de Tchaikovsky. El “Capriccio para piano y orquesta” compuesto en 1929, era una obra en la que Stravinsky podía lucirse como pianista.

La “Sinfonía de los Salmos” Op.65 fue compuesta en 1930 cumpliendo un pedido del director Serge Koussevitzky para la celebración del 50º aniversario de la Boston Symphony Orchestra. No se trata de una sinfonía clásica. Es una sinfonía coral en tres movimientos de estructura libre. El propio Stravinsky escribe, “No es una sinfonía en la cual haya introducido Salmos para ser cantados. Al contrario, es el cantar de los Salmos lo que he sinfonizado.”

Se estrenó en Bruselas interpretada por la Société Philharmonique de Bruxelles el 13 de diciembre de 1930 dirigida por Ernest Ansermet. En los Estados Unidos se presentó el 19 de diciembre de 1930 interpretada por la Boston Symphony Orchestra con el coro de la Cecilia Society bajo la dirección de Koussevitzky. La sinfonía fue revisada por el propio compositor en 1948.

La sinfonía fue escrita entre Niza y Echarvines, en los Alpes franceses donde pasaba sus veranos. Stravinsky eligió tres Salmos del libro de los Salmos de David, uno de los libros poéticos de la Biblia. Son los Salmos 38, 39 y 150 si empleamos la numeración de la Vulgata, la traducción latina de la Biblia. Correspondería a los 39, 40 y 150 de la Septuaginta o sea la traducción griega.

Está orquestada para cinco flautas, una doblando piccolo, cuatro oboes, corno inglés, tres fagots, contrafagot, cuatro trompas, trompeta piccolo, cuatro trompetas, tres trombones, tuba, timbales, bombo, dos pianos, arpa, violoncelos, contrabajos y un coro dividido en cuatro voces. Es también recomendable la presencia de un coro infantil. Es curioso observar la ausencia de clarinetes, violines y violas.

El primer movimiento, Exaudi oratiorem meam, Domine, utiliza el texto del Salmo 38 de la Vulgata, pero únicamente los versículos 13 y 14. Está escrito como un preludio al siguiente movimiento, que se ejecuta sin interrupción. El acompañamiento del coro está formado por un ostinato. El uso de escalas modales produce un carácter litúrgico.

El segundo movimiento, Expectans expectavi Dominum, emplea el texto del Salmo 39, limitado a los versículos 2, 3 y 4. Consiste en una doble fuga, con el primer tema iniciado por el oboe, que emplea la célula de cuatro notas usada en el primer movimiento. El segundo tema aparece en la entrada de las sopranos sobre el contrapunto del primer tema en los bajos de la orquesta. Sucesivamente entran las contraltos, los tenores y los bajos del coro.

La estrofa

Et immisit in os meum canticum novum, carmen Deo nostro,
Y puso una nueva canción en mis labios, en alabanza a nuestro Dios
es cantada de manera homofónica, del mismo modo que la parte final,
et sperabunt in Domino.
y confiarán en el Señor.
Un acorde lo une al último movimiento.

El tercer movimiento, Alleluia, laudate Dominum, utiliza el texto del último y más conocido de los Salmos de David, el 150. Lo usa de modo prácticamente completo. Reproducimos a continuación las propias palabras del compositor.

“El allegro del Salmo 150 fue inspirado por la visión del carro del Profeta Elías subiendo a los cielos. Nunca antes había escrito algo tan literal como los tresillos para trompas y piano para sugerir los caballos y el carro.

El himno final de alabanza debe ser entendido como una salida del cielo. La agitación es seguida por la calma de la alabanza. En el montaje de las palabras de este himno final tuve cuidado únicamente por los sonidos silábicos y he tolerado hasta el límite mi habitual placer de regular la prosodia a mi propia manera”.

Empieza lentamente con las palabras Alleluia. Laudate Dominum in sanctis Ejus. Stravinsky lo entendía como una oración personal, una imagen ecuménica rusa del niño Jesús con su cetro y globo.

En el primer movimiento implora la piedad de Dios presentándolo como un grito de angustia, seguido de la doble fuga del segundo movimiento que da paso a la esperanza y terminando con un himno de alabanza. La música emplea procedimientos tradicionales de siglos pasados, pero en el tercer movimiento, inspirado en la música sacra rusa, encontramos motivos tomados del lenguaje del jazz.

Stravinsky compone en 1931 el “Concierto en re mayor para violín y orquesta” Op.66, una obra virtuosística para el violinista americano Samuel Dushkin, en un original estilo neoclásico.

“Perséphone” compuesta en 1933 es según su compositor un melodrama en tres escenas para narrador, tenor, coro mixto, coro de niños y orquesta, inspirado en la mitología griega. Una especie de ópera ballet estrenada en la Opera de Paris el 30 de abril de 1934.

Los miembros de la familia Stravinsky se convierten en ciudadanos franceses en 1934, volviendo a vivir en Paris. Durante esta época compone el “Concierto para dos pianos” para interpretarlo junto a su hijo Sulima en 1935.

Stravinsky se relaciona con gente importante de los Estados Unidos, consiguiendo importantes pedidos como el del ballet “Jeu de cartes”, compuesto en 1936 por encargo del American Ballet de New York. Lo estrenaría George Balanchine en el mes de abril de 1937. Para el matrimonio Woods Bliss, mecenas de las artes, que tenían una suntuosa residencia en Dumbarton Oaks, Washington D.C., compone el “Concierto en mi bemol” (Dumbarton Oaks) en 1938. Una obra escrita al estilo de Bach pero con la imaginación del compositor ruso.

Los últimos años pasados en Paris fueron nefastos para la vida personal del compositor. Su mujer enfermó de tuberculosis, contagiando al compositor y a sus hijas. Enviadas a un sanatorio en Suiza, Ludmila murió en el mes de noviembre de 1938. Catherine murió en el mes de marzo del año siguiente, pasando Stravinsky cinco meses en el hospital, al tiempo que también fallecía su madre en el mes de junio de 1939.

En el mes de septiembre de 1939, poco después del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Stravinsky se traslada a los Estados Unidos. Su hasta ahora amante Vera de Bosset lo siguió al año siguiente, casándose el 9 de marzo de 1940 en Bedford, Massachusetts.

La “Sinfonía en do mayor” fue empezada en Paris en 1938, terminando dos movimientos en 1939 durante su estancia en Suiza y los últimos en los Estados Unidos en 1940. El tercero en Cambridge, Massachusetts y el último en Hollywood. Un pedido para la celebración del 50º aniversario de la fundación de la Orquesta Sinfónica de Chicago, con la colaboración económica del mecenas Robert Woods Bliss.

Se estrenó en Chicago el 7 de noviembre de 1940, dirigida por el propio compositor. Una obra neoclásica con una orquesta parecida a las utilizadas por Beethoven en sus últimas sinfonías.

El primer movimiento, moderato alla breve, nos presenta su tema principal formado a partir de un motivo de tres notas, si, do, sol, convirtiéndose en un animado motivo. El tema contrastante se desarrolla a partir de un solo de trompa. En el amplio desarrollo utiliza las técnicas clásicas de Beethoven, acabando con una recapitulación con el orden cambiado. Una contundente coda termina el movimiento.

El segundo movimiento, larghetto concertante, está formado por un aria muy adornada por un contrapunto barroco. El tema es tomado por diversos instrumentos solistas, alternando la cuerda con la madera. Después de una parte central más animada se repite el aria con variadas instrumentaciones.

El tercer movimiento, allegretto, presenta rítmicos temas de ballet como corresponde a un scherzo. Después de un trío más distendido continúa la sección rítmica tomando la forma de una fuga.

El último movimiento, largo, tempo giusto, alla breve, empieza con una introducción lenta en un estilo más cromático, con notas graves. Continúa con un allegro con un tema animado rítmico presentado por la cuerda. La madera responde con un contratema. Emplea como base el motivo inicial de tres notas, utilizando los instrumentos de viento para llevarnos hacia la conclusión de la obra.

Podemos dividir la obra en dos partes, la realizada en Francia y Suiza con ritmos y armonizaciones más clásicas y las partes compuestas en América que son mucho más cromáticas, usando  modulaciones cambiando de ritmo.

Las primeras obras realizadas totalmente en los Estados Unidos fueron un breve “Tango para piano” y un arreglo de “The Star Spangled Banner”, pero su primera obra importante fueron las “Danzas Concertantes” compuestas en 1942 y utilizadas como ballet.

La “Sinfonía en tres movimientos” fue compuesta en tiempos de guerra, empezada en 1942 y terminada en 1945. La idea inicial fue la de componer una obra para piano y orquesta, convirtiéndola finalmente en una pieza orquestal. El movimiento central tiene su historia particular. El escritor Franz Werfel quería que Stravinsky compusiera la música del film basado en su novela Le Chant de Bernadette, sobre las apariciones de Lourdes.

A pesar de la piedad cristiana del compositor no quiso realizar la música, pero escribió en cambio las páginas describiendo la aparición de la Virgen. Estas páginas constituyen el andante de la sinfonía.

El primer movimiento lleva el título implícito de first movement. Utiliza también un motivo de tres notas desarrollado de modo rítmico, con la intervención del piano, aumentando su tensión, al estilo de sus primeros ballets.

El segundo movimiento, andante, no utiliza el piano, cambiándolo por el arpa. Está construido en la forma de un intermezzo, siendo la flauta y el arpa sus protagonistas. Construido en forma ternaria la parte final repite la inicial. Sin pausa enlaza con el siguiente movimiento mediante unos acordes.

El último movimiento, con moto, toma el acorde del anterior movimiento realizando una mutación rítmica trepidante. Continúa con cinco episodios alternando el ritmo con la tranquilidad, apareciendo tanto el piano como el arpa como instrumentos solistas. La fuerza rítmica de la última parte nos lleva al final.

Stravinsky se instaló en Hollywood, dónde vivió la mayor parte de su vida en tierra americana. En 1945 recibió la ciudadanía americana. Primeramente mantuvo un círculo de amigos rusos emigrados, pero para sus aspiraciones culturales necesitó integrarse en otro tipo de sociedad más intelectual. Entre sus amistades encontramos a Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine y Arthur Rubinstein.

Stravinsky compone el “Ebony Concerto” en 1945 para la orquesta de Woody Herman. Una deliciosa obra que combina perfectamente elementos de jazz con su estilo neoclásico. El “Concierto en re mayor para orquesta de cuerdas” lo compuso en 1946 para la Orquesta de Cámara de Basilea.

Entre 1944 y 1948 compone “Mass”, una misa según la tradición católica romana, en un austero estilo neoclásico. Una obra realizada por voluntad propia, motivada por una necesidad espiritual. Stravinsky era un miembro devoto de la Iglesia Ortodoxa Rusa, defendiendo la importancia de la música en la vida espiritual. Citamos sus propias palabras en las siguientes frases.

“La Música alaba a Dios. La Música es capaz de alabarlo mejor que el edificio de la iglesia y toda su decoración. Es el ornamento más grande de la iglesia”.

La única gran ópera compuesta por Stravinsky fue “The Rake’s Progress” (La carrera del libertino) terminada en 1951. Las anteriores aproximaciones al género habían sido obras de pequeñas dimensiones y muchas veces aproximándose al oratorio o al ballet.

Nos encontramos en el último periodo creativo de Stravinsky. La segunda escuela vienesa había impresionado al compositor en una época en que triunfaba el modernismo. Pero su adopción del serialismo fue muy personal siguiendo a Webern. Entre las obras de este último periodo encontramos la “Cantata” de 1952, el “Septeto” de 1953, una obra empleando técnicas próximas al serialismo y el ballet “Agon” compuesto en 1957.

El estilo de su última época se hace muy austero con obras de inspiración religiosa como “Threni” de 1958 y la música de escena “The Flood” de 1962. Las “Variaciones a la memoria de Aldous Huxley” terminadas en 1964 son totalmente atonales. La música de sus últimos años se caracteriza por su gravedad, sus temas relacionados con la muerte y su separación de la tonalidad clásica

En 1969 se traslada a New York viviendo en la Essex House. Stravinsky muere en New York el 6 de abril de 1971 de un ataque al corazón. Su enfermedad se remontaba a 1956 cuando sufrió una trombosis cerebral durante un concierto en Berlín.

Aunque en el campo de la sinfonía su obra es muy reducida, nos encontramos frente a uno de los más importantes compositores. Debido al carácter especializado de esta obra, no podemos hacer un análisis exhaustivo de su trabajo. Su gran diversidad de estilos, desde la música barroca al dodecafonismo, hace que cada obra suya sea diferente pero manteniendo siempre una gran personalidad.


Fuente: http://www.historiadelasinfonia.es

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